（）STEP5 体会芭蕾的轻灵与厚重

　
舞蹈的质感在于轻灵。

芭蕾尤以轻灵为其美学特征。

自从150年前芭蕾的选题浪漫地朝非现实方向一跃，仙姝倩鬼神魔精灵遍布舞台，芭蕾舞的表现形态随之发生变革，一蹴而就并不可逆转地把轻灵的本质突现出来。1832年代表浪漫主义芭蕾方向的《西尔菲达》(即《仙女》)在巴黎问世。这部借助于苏格兰民间传说，描绘一幅林中仙子同凡人相恋图景的舞剧里，女主人公西尔菲达有一对会飞的翅膀，在舞台上时隐时现、飘忽不定；当时人称"芭蕾皇后"的玛丽·塔莉奥妮首演这个角色，她的舞蹈风格的轻盈，把人们超自然的想象完美地体现在舞台上，并由此而确立了足尖舞蹈的地位--当之无愧地具有芭蕾舞代表性质的技艺。9年以后，另一部浪漫主义的杰作《吉赛尔》在巴黎同观众见面并流传至今，被誉为芭蕾艺术皇冠上的一颗明珠。这部舞剧受惠于自斯拉夫民族的传说"维丽斯女鬼的夜舞"，着意表现了山村少女吉赛尔的纯情与善良。舞剧对比式地展现了现实生活和冥冥世界两幕场景，那虚幻飘渺的幽灵之舞，是芭蕾艺术把不可知的世界奇妙地展现在人们眼前的杰作。浪漫主义的注入掀开了芭蕾历史新一页，从此，芭蕾艺术形态就定位于轻灵这一坐标。美妙绝伦的足尖舞功、各种腾跃空中的技巧、举重若轻的男女双人舞、以及急遽的旋转、飘洒的舞步、舒展流畅的舞姿……舞蹈的格式和技巧无一不刻印着轻灵的属性。

轻灵给人以视觉美感，它把情感、情绪、愿望透过人体美丽和谐的律动透发出来，把人的超脱自然束缚、飞升向上的心理要求具体在一个物质存在上，从而激发了审美主体的审美愉悦。

轻灵又是一种境界。它借助动态的线条勾勒的图景，弥漫着非言传的意蕴，濡染着周围空间。在舞蹈者，它是表现的欲望假外部形态合理地恰如其分地释放；对欣赏者，则是透过目睹活生生的媒体，映照心田那一缕风光，于是经受感染、拨动共鸣、生发联想、重复体验。

　
舞蹈的表现力建筑在轻灵飘逸之上。

芭蕾尤以轻灵垂范舞蹈殿堂。

无论是如歌式的抒怀或豪迈的咏叹，无论是纤纤淑女或骁勇雄健的骑士，无论舞段的力度要求如何地粗犷开阔、激越铿锵，芭蕾艺术对轻灵的诉求始终是悬在所有舞者头上的一把戒尺--简明、光洁、迅捷、准确，起跳爆发力如火箭升空，落地若飘落绵絮。记得《睡美人》王子儒雅的变奏独舞吗？多么轻捷洒脱，一派尊贵的宫廷风度；而《海盗》首领康拉德，如疾风似迅雷，凌空跨越，翻卷急旋，那是大海锤炼的性格；袅袅婷婷的《四人舞》，将一幅百多年前的版画复制在舞台上，依旧散发出妩媚动人的馨香；火辣辣的《堂·吉珂德》，带着斗牛之乡的西班牙风姿，剽悍有加黠慧飞动……尽管这些脍炙人口的舞段风格各异，却必须守恒于芭蕾舞的规范之美：动作轻盈，技巧稳练。于是，人们对芭蕾品评视角自然地偏向轻灵，犹如鉴赏出土彩陶离不开粗朴稚拙，聆听交响乐离不开雄浑凝重，吟读水墨画离不开精润灵秀一般，品味舞蹈尤其芭蕾离不开轻灵。如果失却了轻灵，芭蕾舞的美感与魅力也就丧失殆尽。因此，芭蕾舞传达给审美主体的最为突出的感受，凝结在一个词汇上－－轻灵。倘舞者能将轻灵这一舞蹈要素挥发达于极至，诗意便自然而然从中流淌、喷涌出来。

然而，轻灵的芭蕾形式，又会映现出另一重性格－－厚重；

因为，芭蕾作品的内涵往往又是厚重的。

　
感情的倾吐，理念的宣发，内心的剖白，行为的展露，在芭蕾作品及人物身上都涂抹着厚重的油彩，肩负着厚重的使命。舞剧，悲剧、正剧、抑或喜剧，必然隐含通过舞蹈阐发的主题，而任何主题相对于轻灵的舞蹈叙述形式，总是厚重的。正剧和悲剧自不待言，即如轻松的喜剧芭蕾《无益谨慎》、《窈窕淑女》、《驯悍记》，也都显露出某种庄重的人文主义态度。芭蕾小品如《天鹅之死》，短短几分钟里刻画了一幅生死搏击的悲壮场面，深沉而隽永。纯粹着意于将音乐视觉化的交响芭蕾，调动舞者犹如摆弄音符，甚至同音乐的无标题一致地无标题，却也在和声般的形式美中传达出某种意蕴，把宽泛的抽象的不确定性的音乐内在因素呈现在舞台上。即使一个叫《练习曲》的节目，将芭蕾从艺者的日常练习展览于观众眼前，它那明快、洒脱、齐整、繁难，激荡起人们惊诧、亢奋、叹服、愉悦--以简约的形式换取的是复杂的情绪反映，就是它的意在不言中的内在品性。

舞蹈，尤其芭蕾，轻灵与厚重并行不悖。

轻灵是美的载体，负载着形式美表现美外在美；轻灵又是厚重的载体，负载着思维、观念、情绪、意向--内蕴之美。

舞蹈，尤其芭蕾，是以轻灵的材料构筑的厚重的艺术实体。只是，厚重的程度有差异，或为巍峨的大厦，或为玲珑的小舍。

轻灵使芭蕾富有生命力。但真正洋溢生命激情的作品，必然包孕厚重的内涵；惟此而意味深长，而情趣盎然，而气韵生动，而神形兼备。古往今来，无数芭蕾精品，无不是把轻灵与厚重有机地缝纳在一起。《天鹅湖》浓郁诗意是动人的，既来源于舞蹈画面的纯美，也来源于浪漫地讴歌爱情这一永恒的主题。《斯巴达克》气势恢宏，是用精巧的舞蹈构思涂抹的一幅奴隶起义的历史画卷。福金的《仙女们》淡雅清新，那仙境是借用肖邦的音乐，导引出贮存于人的心灵中的清纯。《村居一月》以明丽温煦的笔调，写出复杂的人物关系，映照出屠格涅夫时代的风貌…… 单一的轻灵不足以承载永恒的价值，惟有以厚重为骨架，方能经受岁月的冲刷而永葆鲜丽。

空洞的厚重失却了艺术风采，同样经受不住时光磨蚀而被历史遗忘。

轻灵不流于轻浮，厚重不滞于呆板，方为芭蕾的完美之作，亦是艺术的完美之境。

STEP 6 演员、观众及谢幕的规矩

每位芭蕾演员都是按芭蕾舞规范化要求造就的。芭蕾舞所要求的外开性、稳定性、柔韧性、轻盈而具有高跨度的跳跃、洒脱而有力度的旋转，动作清晰干净及协调性、舞蹈感，与契合音乐、理解音乐、表现音乐——还有做到这一切的体力（耐力与爆发力），都是芭蕾舞演员需要掌握的。

自17世纪中叶第一所芭蕾舞蹈学校在巴黎建立起，三百多年来，芭蕾教学随同这门艺术本身的发展而日益丰富、完善，并产生了多种与各个芭蕾艺术流派相一致的教学体系。正规芭蕾舞校依照教学大纲培养学生，通常吸收10至12岁左右的孩童入学，经过六至九年的磨炼方才毕业。学校的专业课程（以北京舞蹈学院为例）有古典芭蕾课、芭蕾双人舞课、性格舞（亦称具有代表性的各国民间舞）课和历史上流行于欧洲宫廷舞会的“舞会舞”（亦称历史生活舞）课。芭蕾基本功训练是每天的必修课。芭蕾有其特殊的人体规范，必须进行特别严格的训练。为使学生掌握最基本的元素以及这些元素的协调，而开始最简单然而也是最重要的训练。最初学生从双手扶把杆“站位”开始（即按芭蕾舞规范的脚的五个位置如“一位”——双腿撇开呈“一”字型训练学生）。最简单的动作是一只脚用力摩擦地面，绷直擦出，再摩擦收回“一位”，如此反复以锻炼腿部肌肉能力。扶把练习包含约略十个方面的组合，充分锻炼脚、腿、胯、腰等各部肌肉，然后进入脱开把杆的练习。扶把练习对成熟的舞蹈演员依然是每天的必修课，从事芭蕾舞的男男女女注定一辈子如此辛劳，直到离开舞台的那一天。脱把杆的训练更具舞蹈性，它依旧是从低到高、从简入繁的循序渐进的过程。即重复把杆训练内容，然后是基本的单一的跳跃和各类组合，最后才达到学习技巧的程度。教学大纲规定要逐年提高学生的能力，以最终掌握各项基本要领为目的，至于熟练地掌握各种技能，包括技巧和表演风格的把握，则只能通过不断的舞台实践而日趋成熟起来。当然，学生期的训练，也不只是提高学生的肌肉素质，而且练就了挺拔的躯干、和谐的动律及灵活性、舞蹈感，同时芭蕾舞的特殊韵味也渐渐陶冶出来。音乐是舞蹈的灵魂，与舞蹈动作的内在含意相联系的音乐感，也是训练科目的重要内容。由于基本功训练是在钢琴伴奏下进行的，久而久之，学员的乐感也培养起来。以上这些便是每个合格的芭蕾演员舞必备的素养，由此我们能够体会到，成为一个合格的芭蕾舞演员是需要经过多么艰辛的跋涉，多么真诚的追求和倾心的投入。

　
剧场里的掌声代表了观众对艺术表演者的赞赏、鼓励与感谢，同时也是受到艺术感染的观众宣泄情感的积极方式。因此，什么时候鼓掌谁也不能硬性规定。不过，出席芭蕾晚会的人们在各幕（场）结束和演出终了时鼓掌致意已成惯例。在每个舞段之间如果没有延续性的音乐连接人们也会报以掌声。甚至当演员表演一个高超的绝技，即便整段舞蹈没完，也会激起人们喝彩的欲望——这时的掌声对演员来说无异于兴奋剂，会激发他（她）更强烈的表演热情，促使他（她）把下面的技巧完成得更好。但是，如果演员表演的是深沉地抒发感情的内容或者是异常优雅的舞段乃至如此的场景，已经把观众带讲情绪陶然的静谧气氛，掌声的出现就不大相宜了。另有一种情形，即舞剧角色的饰演者在跳完一段精彩舞蹈而获掌声时，该不该谢幕呢？一般说来这时谢幕会破坏剧情的连贯性，使演员在刹那间游离于角色之外了。可是，有些国家有此习惯，即不管剧情如何只要演员表演出色就报以掌声，这已形成一种客套礼节，只好另当别论了。

总之，鼓掌是观众自发情绪的表现，掌声象一座沟通观众同演出者感情的桥梁，可以顿然拉近两者的踞离，增加演出空间的热度，也是欣赏艺术必不可少的氛围。充分调动你艺术欣赏的能动作用吧!为你得到的美的享受而鼓掌,为通过艺术劳动奉献了美的人们致谢。